Concerts de Musique Baroque à Aix-en-Provence
Saison 2026-2027. Des moments inoubliables au cœur des plus beaux lieux patrimoniaux d'Aix-en-Provence.
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La musique baroque : un art conçu pour émouvoir
On imagine parfois la musique baroque comme un objet de musée : des perruques poudrées, des ornements compliqués, une élégance un peu figée. C’est exactement l’inverse. Entre 1600 et 1750, les compositeurs européens n’ont eu qu’une obsession : toucher l’auditeur. Faire pleurer, faire trembler, faire danser. Ils appelaient cela les affects, et ils en avaient fait une science autant qu’un art.
Cette musique a été écrite pour des espaces à taille humaine — chapelles, salons, cours d’hôtels particuliers, petites salles où l’on entendait respirer les musiciens. C’est aussi pour cette raison qu’elle occupe une place naturelle dans la programmation des Notes d’Hiver : elle retrouve son sens dans les lieux patrimoniaux d’Aix-en-Provence, qui sont souvent ses contemporains exacts.
Cent cinquante ans d'invention : d'où vient la musique baroque
L'Italie ouvre le bal
Tout commence autour de 1600, en Italie. Un groupe de musiciens et de lettrés florentins cherche à retrouver la puissance expressive du théâtre grec antique. De cette recherche naît une révolution : le chant accompagné, où une voix seule porte le texte, soutenue par une basse harmonique. Claudio Monteverdi en tire L’Orfeo en 1607, souvent considéré comme le premier grand opéra de l’histoire.
Le siècle italien qui suit invente presque tout : la sonate, le concerto, l’oratorio. Girolamo Frescobaldi transforme l’écriture pour clavier, Arcangelo Corelli fixe le modèle de la sonate en trio et du concerto grosso, Antonio Vivaldi porte le concerto de soliste à un degré de virtuosité inédit — Les Quatre Saisons restent aujourd’hui l’une des œuvres les plus jouées au monde. Alessandro et Domenico Scarlatti, puis Pergolèse, prolongent cette effervescence.
Le goût français
En France, la musique prend un autre chemin. Sous Louis XIV, Jean-Baptiste Lully impose la tragédie lyrique, où la déclamation épouse les inflexions de la langue française et où la danse tient une place centrale. Marc-Antoine Charpentier explore la musique sacrée avec une intensité dramatique remarquable. Élisabeth Jacquet de La Guerre, claveciniste prodige devenue compositrice reconnue, prouve qu’une femme pouvait s’imposer dans ce monde. François Couperin porte l’art du clavecin à un raffinement extrême, Marin Marais fait chanter la viole de gambe, et Jean-Philippe Rameau, dans la première moitié du XVIIIe siècle, réinvente l’harmonie autant qu’il révolutionne la scène lyrique.
Le style français se reconnaît à son goût de l’ornement, à ses rythmes pointés, à cette manière d’inégaliser les notes qui donne à la musique une souplesse de pas de danse.
Bach, Haendel et le sommet allemand
Au nord, Heinrich Schütz puis Dieterich Buxtehude préparent le terrain. Georg Philipp Telemann produit une œuvre immense et populaire. Mais deux noms dominent, nés la même année, en 1685 : Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel. Le premier pousse le contrepoint à un degré de perfection jamais égalé — les Passions, les Cantates, L’Art de la fugue. Le second, installé à Londres, triomphe dans l’opéra puis dans l’oratorio, dont Le Messie. En Angleterre, Henry Purcell avait déjà donné à la langue anglaise une musique d’une beauté singulière avec Didon et Énée.
La mort de Bach, en 1750, sert conventionnellement de borne à la période. Ce n’est évidemment qu’une commodité de manuel : les styles ne s’arrêtent pas un jour donné.
André Campra, l'enfant d'Aix devenu maître de l'opéra français
Il y a une raison très concrète de programmer du baroque à Aix-en-Provence : l’un des grands compositeurs français de cette période y est né. André Campra est baptisé à Aix-en-Provence le 4 décembre 1660 et meurt à Versailles en 1744 ; situé chronologiquement entre Lully et Rameau, il a joué un rôle majeur dans le renouveau de l’opéra français.
Fils d’un chirurgien venu de Turin, il reçoit dès 1674 sa formation musicale à la cathédrale Saint-Sauveur, dans sa ville natale, auprès de Guillaume Poitevin. Il occupe ensuite successivement les postes de maître de musique à Toulon, à Saint-Trophime d’Arles, à la cathédrale Saint-Étienne de Toulouse, avant d’accéder à la fonction prestigieuse de maître de musique de Notre-Dame de Paris. Il quitte ce poste en 1700 pour se consacrer à l’opéra ; son premier ouvrage lyrique, L’Europe galante, avait rencontré un très large succès en 1697. Son Requiem reste aujourd’hui son œuvre la plus jouée.
La maîtrise de Saint-Sauveur n’a d’ailleurs pas formé que lui : Jean Gilles et Esprit Blanchard y furent également élèves de Poitevin. Aix a donc été, à l’époque baroque, un véritable foyer de formation musicale. Une rue et un collège de la ville portent le nom de Campra, et une plaque dans la cathédrale Saint-Sauveur rappelle qu’il y fut baptisé. Passer devant sans le savoir est facile ; l’entendre en concert, dans cette ville, prend un tout autre relief.
Le son baroque : instruments d'époque et liberté d'interprétation
La basse continue, une improvisation permanente
Sous presque toute la musique baroque court une même fondation : la basse continue. Une ligne de basse, jouée par une viole de gambe, un violoncelle ou un basson, et au-dessus une réalisation harmonique confiée au clavecin, à l’orgue positif ou au théorbe. Le compositeur ne note que la basse et quelques chiffres. Tout le reste — la densité des accords, les couleurs, le rythme d’accompagnement — se décide au moment de jouer.
Autrement dit, le continuiste improvise. Il réagit à ce qu’il entend, relance, allège, colore. Ceux qui connaissent le jazz reconnaîtront le principe : une grille chiffrée, une réalisation libre, une écoute permanente entre musiciens. Trois siècles séparent ces deux répertoires, mais le geste est parent.
Pourquoi les instruments anciens sonnent autrement
Les violons baroques sont montés en cordes de boyau, l’archet est plus court et plus léger, le diapason est généralement plus bas qu’aujourd’hui. La flûte traversière est en bois, le hautbois baroque possède moins de clés, la viole de gambe a six ou sept cordes et se joue à la manière d’un violoncelle mais avec un archet tenu par en dessous.
Le résultat n’est pas un son « moins bon » : c’est un son différent. Moins projeté, plus parlant, avec des attaques qui laissent entendre l’articulation. Sur ces instruments, les nuances ne se font pas seulement par le volume mais par la couleur et le phrasé. Dans un lieu de petite jauge, l’effet est saisissant.
Bon à savoir
Questions fréquentes sur la musique baroque
Quelques repères pour celles et ceux qui souhaitent en savoir un peu plus avant de venir.
On retient conventionnellement 1600-1750, de la naissance de l'opéra en Italie à la mort de Jean-Sébastien Bach. Ce sont des bornes commodes plutôt qu'exactes : le style italien s'installe dès la fin du XVIe siècle, et certains compositeurs continuent d'écrire dans cet esprit bien après 1750.
Au sens strict, la période classique suit le baroque, entre 1750 et 1820 environ, avec Haydn, Mozart et le premier Beethoven. Elle abandonne la basse continue, privilégie des mélodies plus claires et développe la forme sonate et la symphonie. Au sens large, « musique classique » désigne l'ensemble de la musique savante occidentale, et englobe donc le baroque.
C'est le socle harmonique de la musique baroque : une ligne de basse écrite, surmontée de chiffres indiquant les accords à jouer. Un clavecin, un orgue ou un théorbe la réalise en direct, avec une large marge de liberté. Deux interprétations d'une même sonate peuvent sonner très différemment selon la manière dont ce continuo est joué.
Non par archéologie, mais par efficacité expressive. Les compositeurs écrivaient en pensant à des sonorités précises, à des équilibres, à des articulations que ces instruments rendent naturellement. Les entendre restitue aux œuvres des contrastes et une clarté que les instruments modernes, conçus pour de grandes salles, tendent à lisser.
Oui, un lien direct. Le compositeur André Campra, l'une des grandes figures de l'opéra français, est né à Aix en 1660 et s'est formé à la maîtrise de la cathédrale Saint-Sauveur, comme Jean Gilles après lui. Le centre historique de la ville s'est par ailleurs construit pendant cette même période.
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